5 YEARS, de PLASTIC MURS
El pasado 27 de marzo la galería de arte valenciana PLASTIC MURS habría celebrado su quinto aniversario. Sin embargo, en lugar de revisar el pasado, han mirado hacia los próximos 5 años con la exposición 5 YEARS que reúne a un joven grupo de artistas que muestran una nueva visión de la pintura contemporánea.
Influenciados por la era digital y los enfoques cada vez más amplios de la pintura, estos artistas retratan nuevas formas de expresión y maneras en las que la cultura popular, Internet y las relaciones sociales se representan no solo estéticamente sino conceptualmente dentro de la pintura actual.
Los principales protagonistas de Akos Ezer (Budapest, Hungría, 1989) caracterizan hombres con extremidades alargadas y posturas dobladas, cuyos movimientos gestuales recuerdan a momentos de caída. Las representaciones surrealistas de los cuerpos a menudo ocupan toda la superficie de la imagen y forman un marco geométrico en su linealidad. Las diferentes personalidades, marcadas por la ropa contemporánea y la cultura pop, así como la paleta de colores pastel utilizada, ofrecen un enfoque humorístico del mundo pictórico de Ezer sin trivializarlo. Akos invita al espectador a reconstruir su visión de las estructuras sociales actuales en Hungría, su país de origen, y los esfuerzos personales de la vida cotidiana asociados con ellos.
Carter Flachbarth (Atlanta, Estados Unidos, 1996) es un pintor que se basa en sus experiencias personales en el siglo XXI para crear imaginería de medios mixtos. Carter registra objetivamente su vida diaria a través de dibujos y escritos. Luego, usando una aplicación que desarrolló, las experiencias dibujadas se montan y se manipulan en una sola imagen. Con esta información, Carter desafía la forma en que entendemos la tecnología al permitir que la aplicación sea el creador y que él mismo sea la herramienta. Su trabajo está inspirado en la idea del individuo en lo que se refiere a la experiencia del usuario digital y una curiosidad por explorar su propia individualidad y objetividad a través de procesos algorítmicos.
Existe una admiración y respeto indudables por las obras maestras del arte atemporal, pero también existe un sentimiento de distancia entre la gente común y el trabajo realizado. Y ese espacio familiar es donde Julio Anaya Cabanding (Málaga, España 1987) crea sus intervenciones y pinturas. “Liberando” tales piezas de las colecciones del museo y “colgándolas” en los lugares más inesperados, regularmente abandonados y olvidados, desarrolló un discurso sin precedentes para las dos antípodas. No creando réplicas, sino jugando con el entorno en el que se muestra la famosa imagen al público general, el artista con sede en Málaga propone una forma alternativa de mirar y experimentar las bellas artes.
La práctica de Marta Galindo García (Puerto de Santa María, España 1993) investiga la sobresaturación de imágenes digitales, la estética trash cibernética y el perfil del prosumidor. Emplea el humor y la ironía como estrategia ante las problemáticas contemporáneas y la anárquica yuxtaposición de información del medio digital. Marta se interesa por la proliferación de la imagen estetizada en el sistema capitalista y la reubicación y resignificación del excedente digital en nuevos contextos artísticos. La estética y los fenómenos digitales en su propio medio no son demasiado perceptibles, se embarullan y disipan en flujos de contenidos automáticos. Su trabajo traslada lo digital al formato físico, interrumpe la cadena de imágenes de la web para dar relieve y evidenciar las dinámicas de la cultura-red.
Max Rumbol (Buckinghamshire, Reino Unido 1997) se interesa principalmente en los paisajes y la tradición británica, combina elementos del mundo natural y los tropos de la cultura británica para crear sorprendentes composiciones digitales que luego se reinventan como pinturas o esculturas. Estas obras generalmente se construyen usando una mezcla de pintura y elementos de relieve cortados con láser, para crear objetos que se encuentran en algún lugar entre esculturas y pinturas. Esta noción de crear una escultura que parezca disfrazarse de pintura está inspirada en las reproducciones masivas de obras de arte que parecen imitar pinturas. A Max le gusta referirse a estas obras de arte a menudo mundanas como “pinturas de Wetherspoons”; el tipo de obras de arte que se reproducen de manera unánime se vuelven inofensivas y, por lo tanto, entran en la cultura popular dominante. Estas reproducciones generalmente funcionan como decoración de pared sobre arte, cumpliendo el papel de decoración inocua dentro de los hogares y negocios británicos.
Las obras de Philip Gerald (Dublín, Irlanda, 1992) comprenden una presentación temática provocativa con pintura ingenua, en la que recoge obras históricas de arte con medios modernos utilizando Microsoft Paint. Examina y, por lo tanto, cuestiona temas recurrentes como la sexualidad, la sociedad de consumo y la autoevaluación en la actualidad. Las imágenes pintadas sutilmente representan figuras y escenarios incrustados en imágenes de humor y ansiedad.
El trabajo de Tarmac / Niccolo Binda (Milan, Italy 1996) explora nociones como nostalgia, branding, consumismo y cómo formamos conexiones con ellas y comenzamos codiciar o fetichizar artefactos culturales. Las piezas cuestionan cómo un símbolo o un logotipo pueden alcanzar un estado de culto y cómo las personas se relacionan con la marca. Mediante el uso de símbolos vagamente reconocibles y procesos de fabricación industrial, las obras lograr un tipo de resonancia similar al de una marca popular o un juguete icónico para niños. Inspirándose en la alta costura, el streetwear, el diseño y entorno urbano Tarmac crea arte que captura la sensación de comprar una zapatilla nueva. Las obras tienen una superficie fresca, limpia y feliz. Sin embargo, debajo del pulido barniz examina ideas de deseo en un sistema consumista. La idea de que estamos expuestos a tanta información, imágenes y objetos que comprar, y que realmente lo único que hacemos es seleccionar y organizar componentes prefabricados dentro de un estilo de vida.
Yulia Iosilzon (Tel Aviv, Israel 1992) se basa en narrativas fragmentarias, dualidad persistente entre texto y subtexto, claridad y opacidad, expresadas a través de la forma en el uso de tela transparente. El trabajo de Yulia nace de un interés inherente en la narrativa, de historias contadas y recontadas anecdóticamente, de las fábulas que proliferaron y la propaganda a través del boca a boca y los cuentos de hadas transmitidos de generación en generación. Son fragmentos e instantáneas de estas historias las que se capturan e inmortalizan en sus pinturas, se eliminan de su contexto original y, a menudo, se reducen a, o se reconocen únicamente por, sus emblemas o personajes básicos.
Se puede visitar, con cita previa, hasta el 15 de mayo. O a través de su propia web.
